MILIJA ČPAJAK: The Beauty of Danger: Curated by Nataša Radojević

 

MILIJA ČPAJAK

The Beauty of Danger

27/03/24 - 08/06/24

 

 

 

 

 

The paradox of living and non-living elements intricately weaves through Milija’s artwork, presenting a method of freezing and prolonging experiences, encouraging contemplation and rediscovery. Merging both poetic and analytical approaches, Milija’s works are distinguished by exceptional formal qualities and precision in the final shaping. His artistic narrative delves into a profound dialogue between visionary imagination and the inherent forms of nature. Similar to a scientist, through the convergence of organic and artificial elements, the artist constructs a visual landscape where nature serves as both the genesis and culmination. Through the meticulous artistic process, he endeavors to capture the ephemeral essence of natural elements like leaves, insects, snake's skin, etc., connecting the realms of life and death. Extracting elements from nature to convey the essence of the whole and showcasing regularity and specificity simultaneously, this emphasizes the artist's role in discerning between natural and artificial - artistic forms. Each work represents a timeless “snapshot”, immortalizing fleeting moments and effectively suspending specific segments of time to perpetuate their existence. 

 

The allure of danger lies in its capacity to elicit a visceral and profound reaction. It is an aesthetic rebellion against the mundane, stirring our senses with the intoxicating charm of the unfamiliar. Danger carries an innate intensity that unveils striking contrasts and unforeseen harmonies. It summons us to venture beyond the confines of our comfort, where vulnerability and exhilaration converge. Within this enigmatic interplay, the beauty of danger not only defies our perceptions but also etches an enduring impression that transcends the ordinary, urging us to wholeheartedly embrace the extraordinary.

 

This critical Platonic examination unveils an underlying epistemological challenge within the ethical psychology of beauty. The recurring motif of thorns and sharp extensions in the large-scale work Nido di Vespe in the exhibition carries a dual significance, symbolizing both the protection of beauty and the potential for danger. Through this meticulous artistic approach, the observer encounters nuanced questions about how one should respond to attractions that are both captivating and perilous, highlighting the challenge of distinguishing them from mere appearances of beauty. The synthesis of materials, which fosters a dynamic dialogue between the past and the future, is evident in the sculptural work Maenad, materialized by incorporating both organic and inorganic elements: resin, dried flowers, and rose thorns. The artist not only immortalizes but also transforms the classical model, with the rose thorns symbolizing both the protection and fragility of beauty. Ecdysis is the process of shedding the dead outer skin in reptiles, which is necessary for growth. The term ‘ecdysis’ comes from Ancient Greek ἐκδύω (ekduo) meaning “to take off, strip off”. The artworks Ecdysis and Shed are made from snake sheds. Sheds are a natural leftover, and no animals were harmed in the process. The shedding of a snake's skin emerges as a potent symbol, encapsulating a transformative process in reverse. Milija Čpajak, from something transient and discarded, creates a monument to change, symbolizing the perpetual and fundamental essence of transformation. The artist "revives" and immortalizes the ephemerality of the discarded snake skin, simultaneously transforming the symbol of danger into a highly aestheticized object. The seamless interplay between material and immaterial, history and physics, becomes evident at the microscopic level, where nature serves as our very foundation. Milija Čpajak’s work encapsulates this monistic perspective where “the reality” is fundamentally interconnected, and there is a single underlying principle or substance that constitutes the essence of existence. 

 

The Beauty of Danger serves as a poignant reminder of the indispensable coexistence of opposites, emphasizing the eternal and transformative nature of existence. Each link connecting entities to the world is an intrinsic part of this encompassing nature. Change is life itself, a prerequisite for existence.

 

Nataša Radojević, exhibition curator

 

 

Milija Čpajak (1994) is a versatile young artist who moves across different forms. He was born in Pietrasanta (Italy) and grew up in Belgrade (Serbia). He completed his BA and MA studies in Sculpture at the Faculty of Fine Arts in Belgrade. He earned a French Government scholar- ship to spend one semester of his MA studies at the Ecole Nationale Superieure des Beaux-Arts in Paris in 2017. In the same year he won the Nis Art Foundation competition second prize and travelled to Korea, where he received recognition for a sculpture that he realized by taking part in a group exhibition. As guest artist of the Marble and Sounds event in Aranđelovac, he created a public space sculpture (2020). He had a numerous group and five solo shows in Serbia: ULUS (2019) Novembar Gallery in (2021),  Salon of the Belgrade City Museum (2023), Rima Gallery (2023), Aria Art Gallery (Florence, 2024).  By exhibiting his work and participating in different art projects he has been an active member of the art scene since completing his studies. His artworks are part of private collections in Serbia and abroad.      

 

Venue:  Borgo Santi Apostoli 40r, Florence, Italy

 

Partners:Aria Art Gallery, Logic Art Space, FUL 

 

 

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 Italian version

 

Milija Čpajak, nato a Pietrasanta e cresciuto a Belgrado, torna in Toscana con una mostra a Firenze dove il paradosso degli elementi viventi e non viventi si intreccia. Tramite le sue opere, presentando un metodo per congelare e prolungare le esperienze, l’artista serbo incoraggia la contemplazione e la riscoperta.

Milija Čpajak, esponendo le sue opere e partecipando a diversi progetti artistici, è diventato presto un membro attivo della scena artistica in Serbia e le sue opere d’arte fanno parte di collezioni private nel suo Paese e all’estero. Nella sua arte, il paradosso degli elementi viventi e non viventi si intreccia in modo intricato e, presentando un metodo di congelare e prolungare esperienze, incoraggia la contemplazione e la riscoperta. Fondendo approcci poetici e analitici, le opere di Milija si distinguono per le eccezionali qualità formali e la precisione nella forma finale. La sua narrazione artistica approfondisce un dialogo profondo tra l’immaginazione visionaria e le forme apparentemente naturali. Simile a uno scienziato, grazie alla convergenza di elementi organici e artificiali, costruisce un paesaggio visivo in cui la natura serve sia come genesi che come culmine. Attraverso il meticoloso processo artistico, si sforza di catturare l’essenza effimera di elementi naturali come foglie, insetti o pelle di serpente, collegando i regni della vita e della morte. Estrarreo elementi dalla natura per trasmettere l’essenza del tutto e mostrare regolarità e specificità contemporaneamente, enfatizza il ruolo dell’artista nel discernere tra forme naturali e artificiali. 

Ogni opera rappresenta una “istantanea” senza tempo, immortala momenti fugaci e sospende efficacemente precisi segmenti per perpetuare la loro esistenza. E nella sua capacità di suscitare una reazione viscerale e profonda risiede il fascino del pericolo. È una ribellione estetica contro il banale, che agita i nostri sensi con il fascino avvincente dell'ignoto. Il pericolo porta con sé un'intensità innata che svela contrasti sorprendenti e armonie impreviste. Ci invita all’avventura al di là dei nostri confini di comfort, dove vulnerabilità ed eccitazione si fondono. In questo enigmatico gioco, la bellezza del pericolo non solo sfida le nostre percezioni, ma incide anche un’impressione duratura che trascende l’ordinario, spingendoci ad abbracciare appieno lo straordinario. Questa critica platonica svela una sfida epistemologica sottostante alla psicologia etica della bellezza.

Il motivo ricorrente di spine e prolungamenti appuntiti nel lavoro su larga scala Nido di Vespe – ammirabile alla mostra – porta un significato duplice, simboleggiando sia la protezione della bellezza che il potenziale pericolo. Attraverso questo approccio artistico meticoloso, l’osservatore si confronta con diverse domande su come dovrebbe rispondere alle attrazioni che sono al tempo stesso affascinanti e pericolose, mettendo in evidenza la sfida nel distinguerle dalle mere apparenze di bellezza. La sintesi dei materiali, che favorisce un dialogo dinamico tra passato e futuro, è evidente nel lavoro scultoreo Maenad, materializzato incorporando elementi organici e inorganici: resina, fiori secchi e spine di rosa. L’artista non solo immortalizza, ma trasforma anche il modello classico, con le spine di rosa che simboleggiano sia la protezione che la fragilità della bellezza. Ecdysis è il processo di cambiamento della pelle esterna morta nei rettili, necessario per la crescita. Il termine ecdysis deriva dal greco antico ἐκδύω (ekduo) che significa “togliere, spogliare”. Le opere d’arte Ecdysis e Shed sono realizzate con esuvia di serpente. L’esuvia – che riproduce fedelmente la forma esterna del serpente e viene abbandonata ogni anno dall’animale con il cambio della muta – è un residuo naturale e nessun rettile è stato danneggiato nel processo. Lo spogliarsi della pelle da parte del serpente emerge come un simbolo potente, racchiudendo un processo trasformativo al contrario. Milija Čpajak, da qualcosa di transitorio e scartato, crea un monumento al cambiamento, simboleggiando l’essenza perpetua e fondamentale della trasformazione. L’artista “ravviva” e rende immortale l’effimera delicatezza della pelle di serpente scartata, trasformando contemporaneamente il simbolo del pericolo in un oggetto altamente estetizzato. Il dialogo senza soluzione di continuità tra materiale e immateriale, storia e fisica, diventa evidente a livello microscopico, dove la natura serve come nostra stessa fondazione. Il lavoro di Milija Čpajak racchiude questa prospettiva monistica in cui la realtà è fondamentalmente interconnessa e c’è un unico principio o sostanza sottostante che costituisce l’essenza dell’esistenza. 

The Beauty of Danger funge da toccante promemoria sull'indispensabile coesistenza degli opposti, sottolineando la natura eterna e trasformativa della vita. Ogni legame che connette gli enti al mondo è una parte intrinseca di questa natura avvolgente. Il cambiamento è la vita stessa, un prerequisito per l’esistenza. 

 

Nataša Radojević